Hiperrealismo

¿donde? ¿cuando?

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta (Luis García, Alex Ross, etc).

técnicas/características:

• Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo  en la reproducción de retratos ya que  el tiempo de exposición seria muy prolongado.
•  Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.
• Los artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color.
• Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
• otra  característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
• El Hiperrealismo hace énfasis en la plasmación de la realidad, tal y como se vería en una fotografía. Para esto, se utilizan medios como la proyección o retícula, con el fin de transferir imágenes fotográficas al lienzo, o simplemente guiarse para la forma escultórica.
• Características de la técnica hiperrealista son la aplicación de color “real” y la utilización de materiales como pintura acrílica, latex y resinas sintéticas

temáticas:

Los temas  generalmente son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, bodegones, cuerpos humanos y paisajes

¿quiénes?

 Chuck Close, Malcom Morley, Richard Estes

Autor destacado:
Duane Hanson es uno de los pioneros en emplear esta técnica. Nacido en E.E.U.U. en 1925, es hijo de inmigrantes suecos a ese país, granjeros en Alexandría, Minnesota.
Sus obras las realiza con diversos materiales, como el bronce y materiales sintéticos (resina de poliéster, fibra de vidrio, etc.), elaborando las esculturas directamente en moldes tridimensionales, más conocido como fundición viva. Su trabajo lo culmina con lapinturacolor piel, colocando los elementos decorativos y representativos, como ser la ropa o la joyería
Siendo un artista hiperrealista, sus obras se destacan por ser de tamaños exagerados, donde la perfección en las terminaciones (como por ejemplo sus rostros), captan la atención de los observadores, diferenciándose de Mueck en su fuente de inspiración, ya que retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano y que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte.

"Los turistas II"
Duane Hanson

1988

es el autor de estas esculturas hiperrealistas que retratan con todo lujo de detalles los estereotipos de la clase media norteamericana.
Las esculturas está realizadas a tamaño real, con una mezcla de resina de poliéster y fibra de vidrio, y pintadas a mano. Las prendas de ropa y demás accesorios de la puesta en escena son auténticos.
En la gestualidad de los personajes de Hanson se ve tristeza, frustación, cansancio y dolor por pertenecer a la franja de perdedores: los que no han podido cumplir el sueño americano de abundancia y bienestar.
La mayoría de las obras de este artista fueron concebidas a tamaño real sobre modelos al natural, utilizando el vaciado en escayola, para ser moldeadas después en fibra de vidrio, polivinilo, bronce o resina epoxi y pintadas a mano.

opinión personal:
me gusta mucho este movimiento, es divertido y mas me gusta que algunas de las obras sean fotografías, tambien me gusta el hecho de que presenten la realidad de una forma diferente. me parece muy divertido y muy interesante. Si la obra es realizada sin camaras me gusta tambien ya que el autor intenta hacerla lo mas fotográfica posible.

Arte cinético

¿donde? ¿cuando?


El arte cinético es una corriente de arte que se desarrolló principalmente en nueva York, donde las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

técnicas/características:

• el rechazo a cualquier referente narrativo, literario o anecdótico;
•  la desvinculación de la obra de arte con respecto a su creador,
• la abolición del soporte tradicional del cuadro,
• la incorporación de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit, etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.
• Induciendo al espectador a desplazarse en el espacio para que así se organice en su mente la lectura de una secuencia.
•  Realizando movimientos reales de imágenes mediante motores u otras fuentes.

¿quiénes?
Daniel Buren Alexander Calder Carlos Cruz-Díez Mark di Suvero Marcel Duchamp

autor destacado: alexander calder
Alexander Calder (1898 -  1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense.
Hijo y nieto de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P.
En 1885, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas

"la estrella" Alexander Calder

breve descripcion de la obra:

la obra fue hecha con materiales ligeros como alambre que cambien segun la luz,esto provoca un gran juego de luces a lo que hay que unir el movimiento que se produce con la corriente de aire, por mas poco que sea. Las formas geometricas y sencillas surgieron de la influencia del pintor miró. Podemos observar moviles en la parte inferior, alex hacia dos tipos de esculturas: las moviles y las estaticas. las moviles son estructuras abstractas que se suspenden en el aire y se movían. aparecen tambien los COSMOS, la idea de los moviles del calder es desafiar un nuevo concepto de espacio, del cosmos, con esculturas abstractas suspendidas en el aire. su ligereza, su delicada apariencia y su gracibidad son carac. fundamentales de dichos moviles. Precursor: la importancia de calder, a demas de como inventor de los moviles, es que fue el precursor de tood ela rte cinetico yd e las instalaciones posteriores.

fuentes de informacion:

www.wikipedia.com

http://arte.observatorio.info/2008/04/la-estrella-alexander-calder-1960 

Arte óptico

¿cuando? ¿donde?
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente

Técnicas/características:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

temática:
yo creo que no hay una tematica especifica como tambien es el caso del dadaismo. los autores realizan sus obras guiándose por las técnicas empleadas.

¿quiénes?
Victor Vasarely, Kitaoka, Bridger Riley, Julio Le Parc, Cruz Diez, Omar Rayo

Autor destacado: Victor Vasarely

Pintor húngaro nacido en Pecs, fue alumno de la Academia Mühely (la Bauhaus de Budapest) en 1929. Se trasladó a vivir a París en el año 1939. A partir de 1944 aborda la abstracción, en ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico. La conquista del cinetismo aparece en filigrana en su obra, es el fruto de una labor dura, la forma-color, la unidad plástica, las polarizaciones corpusculares u ondulatorias que son los fundamentos de su lenguaje están prefigurados en el Étude Bleue (1930) y la serie de Zébres (1932/1942). A partir de estos datos antiguos el artista progresó en la perspectiva abierta del Manifeste Jaune de 1955, pasando de la pintura de caballete a la pared y de la superficie al volumen, introduciendo materiales nuevos como el aluminio o el vidrio, preparando la integración de sus obras en la arquitectura, lo que constituye finalmente su objetivo supremo, la decoración mural en homenaje a Malevich en la Ciudad Universitaria de Caracas tiene el valor de un símbolo. Vasarely ha hecho de la policromía arquitectónica una de las mutaciones capitales del presente aportando así al hábitat la armonía y la dicha, es el pionero prospectivo del urbanismo social del mañana. El teórico y líder del arte cinético recoge el mensje de los grandes precursores constructivistas y de los maesros del Bauhaus, elevándolo a la potencia vitalista de una civilización-cultuta planetaria.

"Vega Multi" Victor Vasarely

es impresionante como el artista puede hacernos ver cosas que realmente no son asi, cosas que nuestros ojos tienen q saber observar y quedar impresionados ante ella. Sin envargo no es la clase de movimiento que me gusta, sus obras son exelentes y realmente te producen un efecto inusual al verlas.

 

Pop Art

¿Dónde? ¿Cuándo?
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.
El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine erótico. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Técnicas/Características:

• Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
• Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
• El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de público, como las ya mencionadas latas de sopa, o los botellines de Coca-Cola, se convirtieron en uno de los rasgos más interesantes y constantes de toda su producción.
• Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastada, pero en todo caso vivo y brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas
•  utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.

Temática:

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".

¿Quiénes?

Roy Lichtenstein, Richard Hamiltonm, Andy Warhol
Autor destacado:
Roy Lichtenstein fue un pintor estadounidense del Pop Art , artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso . También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Barcelona's Head, conocida como La Cabeza de Barcelona o La Cara de Barcelona es una escultura del artista gráfico estadounidense Roy Lichtenstein artista exponente del pop-art norteamericano y realizada por el escultor pacense Diego Delgado Rajado en los años 1991 y 1992. En aquellos años, la ciudad estaba experimentando un cambio radical en infraestructuras y decoración urbana para recibir los Juegos Olímpicos de 1992.
La escultura está situada en el Paseo Colón, cerca del edificio de Correos y Telégrafos, perfectamente visible gracias a sus 15 metros de altura por 6 de ancho. La obra fue realizada con ocho piezas prefabricadas de piedra artificial, grapas de acero inoxidable y un revestimiento de cerámica que sumó 90 toneladas en total, pertenece a una serie de rostros titulada Brushstrokes (pinceladas). Está diseñada como unas grandes pinceladas que forman el rostro sobre un fondo de puntos cromáticos de rojo dispuestos en relieve y cubiertos con mosaico, como un homenaje del artista al modernismo catalán.

fuentes de informacion:
http://popart22.blogspot.com/
http://www.wikipedia.com/
http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

Surrealismo

¿cuando? ¿donde?
El Surrealismo  o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

Técnicas:

• El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes
• Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
• utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.
• el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas
• El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia.

Tematica:
Temática: animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu. 
¿quiénes?
Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux

autor destacado:
Joan Miró
-Barcelona, 1893 — Palma de Mallorca, 1983- pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.
En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

"el carnaval del arlequín" Joan miró

en la tela aparecen ya elementos que se repetiran despues en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasion, pero tambien a de la elevacion, los animales, y sobre todo los incectos que siempre le han interesado mucho. la esfera oscura que aparece a la derecha es una presentacion del globo terráqueo pues entonces le obsecionaba ya una idea: "tengo que conquistar el mundo!" el gato, que lo tenia siempre junto a mi cuando pintaba. el triangulo negro que aparece en la ventana representa la torre eiffel. trataba de profundizar el lado magico de las cosas. por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior. durante ese año frecuentó mucho la companía de poetas por que pensaba que era necesario ir mas alla del "hecho plástico para alcanzar la poesía"

opinion personal: en mi casa hay dos o tres cuadros de joan miro, nunca me gustaron pero siempre me llamaron la atencion. ahora, despues de conocer un poco mas el autor y entender el movimiento que el representa las obras tienen un significado mucho mayor para mí ya que puedo entender en qué estaba pensando o qué le pasaba por la cabeza a joan cuando pintaba sus obras.

fuentes: http://www.lahornancia.com/

http://www.wikipedia.com/

Dadaísmo

¿cuando? ¿donde?
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva. Es un movimi ento nihilista que desconfía del orden y de la razón. Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo.

tecnicas:

• se distingue por la inclinacion hacia lo incierto, a lo terrorifico y a lo fantasioso. busca renovar la expresion mediante el empleo de materiales inusuales o menajeando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tonica general de rebeldia o destruccion.
• collages y fotomontajes realizados con papel usado y otros materiales similares.
• El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes- un secador de botellas y un urinario - a los que denominó ready - mades.
• Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
• utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras

tematicas:
yo creo que no habia una temática característica de este movimiento, sino que cada autor representaba el tema con que era inspirado.

¿quiénes?
Hans Arp, Soupault, Marx Ernst, Tzara, Antonin Artaud, André Bretón

Autor destacado:

Francis-Marie Martínez Picabia (22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953) Pintor francés.

Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879, pero de origen cubano. Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage.

Comenzó su carrera artística en el ámbito del impresionismo y el fauvismo, con obras fáciles que le proporcionaron un gran éxito comercial. Pero su temperamento inquieto y subversivo le llevó a buscar caminos más comprometidos, por lo que entró en la órbita del cubismo con obras caracterizadas por la incorporación de elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema.

Sus contactos con Marcel Duchamp en Nueva York, donde estuvo en varias ocasiones durante la década de 1910, y con el grupo dadaísta de Zurich, lo llevaron a decantarse por el dadaísmo como tendencia artística preferida. A este período corresponde su estilo más característico, llamado maquinista por centrarse en la representación de máquinas, que en ocasiones son símbolos de los seres humanos y a veces hacen referencia al mito del maquinismo, del desarrollo industrial a ultranza.

Pero quizá, más que a la creación artística, la influencia de Picabia en las generaciones posteriores se deba a la tarea intelectual, de provocación cultural, que llevó a cabo desde las revistas 391, fundada por él en Barcelona en 1917, y 491, fundada en París en colaboración con Breton.

''Primaballerina en un trasanlántico'' de Francis Picabia (1913): Es un cuadro en el que no se vislumbran las formas apreciadas en el título, puesto que no busca la lógica. Con esta ilógica el autor hace una provocación a las formas de arte anteriores, desafiándolas. Se aleja así de cualquier estereotipo creando confusión. Es un cuadro interesante pues al carecer de lógica te es inevitable buscarle tu propio sentido.

Opinión personal:

No se si esta pintura pertenece realmente al dadaísmo, fue la que mas me llamó la atencion por que lasd demas eran todas diferentes a esta. El movimiento me parece algo "raro" pero que a la vez esta bueno, en realidad me encanta, creo qe las tecnicas le dan gracia al vidente como por ejemplo la obra de la giaconda con vigotes. la que mas me gusto del dadaismo fue la de la mujer envuelta en una sabana que era en realidad el rio donde hay dos caballos trotando y en el fondo un hermoso atardecer. creo que el dadaismo es el que mas me gusta ya que es tan llamativo y divertido. el que no me gusto fue el de el "retrete" para hombres. lo admito me llama la atencion pero no es algo que a cualquiera pueda gustarle.

Futurismo

¿cuando? ¿donde? 

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística.
surgió en Milán, Italia en el primer decenio del S.XX , impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Técnicas:

• La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.
• Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos.
• A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura
• Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo

Temática:
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática

¿quienes?
Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Carlo Carrá.

Autor destacado :
Umberto Boccioni (1882 -1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y escribió el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.
Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración

"Formas únicas de la continuidad del espacio"

Umberto Boccioni

1913

Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra

Opinión personal:
el futurismo no es el movimiento que mas me gusta, no es algo que me llame la atencion pero si puedo llegar a encontrar alguna obra que me guste, la apreciaria mucho ya que es otro de los grandes movimientos que surgen en este gran siglo xx.

fuentes de informacion:
http://www.arteespana.com/ 

http://www.wikipedia.com/