Pop Art

¿Dónde? ¿Cuándo?
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.
El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine erótico. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Técnicas/Características:

• Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
• Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
• El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de público, como las ya mencionadas latas de sopa, o los botellines de Coca-Cola, se convirtieron en uno de los rasgos más interesantes y constantes de toda su producción.
• Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastada, pero en todo caso vivo y brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas
•  utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.

Temática:

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".

¿Quiénes?

Roy Lichtenstein, Richard Hamiltonm, Andy Warhol
Autor destacado:
Roy Lichtenstein fue un pintor estadounidense del Pop Art , artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso . También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Barcelona's Head, conocida como La Cabeza de Barcelona o La Cara de Barcelona es una escultura del artista gráfico estadounidense Roy Lichtenstein artista exponente del pop-art norteamericano y realizada por el escultor pacense Diego Delgado Rajado en los años 1991 y 1992. En aquellos años, la ciudad estaba experimentando un cambio radical en infraestructuras y decoración urbana para recibir los Juegos Olímpicos de 1992.
La escultura está situada en el Paseo Colón, cerca del edificio de Correos y Telégrafos, perfectamente visible gracias a sus 15 metros de altura por 6 de ancho. La obra fue realizada con ocho piezas prefabricadas de piedra artificial, grapas de acero inoxidable y un revestimiento de cerámica que sumó 90 toneladas en total, pertenece a una serie de rostros titulada Brushstrokes (pinceladas). Está diseñada como unas grandes pinceladas que forman el rostro sobre un fondo de puntos cromáticos de rojo dispuestos en relieve y cubiertos con mosaico, como un homenaje del artista al modernismo catalán.

fuentes de informacion:
http://popart22.blogspot.com/
http://www.wikipedia.com/
http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

Surrealismo

¿cuando? ¿donde?
El Surrealismo  o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

Técnicas:

• El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes
• Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
• utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.
• el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas
• El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia.

Tematica:
Temática: animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu. 
¿quiénes?
Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux

autor destacado:
Joan Miró
-Barcelona, 1893 — Palma de Mallorca, 1983- pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.
En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

"el carnaval del arlequín" Joan miró

en la tela aparecen ya elementos que se repetiran despues en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasion, pero tambien a de la elevacion, los animales, y sobre todo los incectos que siempre le han interesado mucho. la esfera oscura que aparece a la derecha es una presentacion del globo terráqueo pues entonces le obsecionaba ya una idea: "tengo que conquistar el mundo!" el gato, que lo tenia siempre junto a mi cuando pintaba. el triangulo negro que aparece en la ventana representa la torre eiffel. trataba de profundizar el lado magico de las cosas. por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior. durante ese año frecuentó mucho la companía de poetas por que pensaba que era necesario ir mas alla del "hecho plástico para alcanzar la poesía"

opinion personal: en mi casa hay dos o tres cuadros de joan miro, nunca me gustaron pero siempre me llamaron la atencion. ahora, despues de conocer un poco mas el autor y entender el movimiento que el representa las obras tienen un significado mucho mayor para mí ya que puedo entender en qué estaba pensando o qué le pasaba por la cabeza a joan cuando pintaba sus obras.

fuentes: http://www.lahornancia.com/

http://www.wikipedia.com/

Dadaísmo

¿cuando? ¿donde?
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva. Es un movimi ento nihilista que desconfía del orden y de la razón. Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo.

tecnicas:

• se distingue por la inclinacion hacia lo incierto, a lo terrorifico y a lo fantasioso. busca renovar la expresion mediante el empleo de materiales inusuales o menajeando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tonica general de rebeldia o destruccion.
• collages y fotomontajes realizados con papel usado y otros materiales similares.
• El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes- un secador de botellas y un urinario - a los que denominó ready - mades.
• Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
• utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras

tematicas:
yo creo que no habia una temática característica de este movimiento, sino que cada autor representaba el tema con que era inspirado.

¿quiénes?
Hans Arp, Soupault, Marx Ernst, Tzara, Antonin Artaud, André Bretón

Autor destacado:

Francis-Marie Martínez Picabia (22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953) Pintor francés.

Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879, pero de origen cubano. Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage.

Comenzó su carrera artística en el ámbito del impresionismo y el fauvismo, con obras fáciles que le proporcionaron un gran éxito comercial. Pero su temperamento inquieto y subversivo le llevó a buscar caminos más comprometidos, por lo que entró en la órbita del cubismo con obras caracterizadas por la incorporación de elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema.

Sus contactos con Marcel Duchamp en Nueva York, donde estuvo en varias ocasiones durante la década de 1910, y con el grupo dadaísta de Zurich, lo llevaron a decantarse por el dadaísmo como tendencia artística preferida. A este período corresponde su estilo más característico, llamado maquinista por centrarse en la representación de máquinas, que en ocasiones son símbolos de los seres humanos y a veces hacen referencia al mito del maquinismo, del desarrollo industrial a ultranza.

Pero quizá, más que a la creación artística, la influencia de Picabia en las generaciones posteriores se deba a la tarea intelectual, de provocación cultural, que llevó a cabo desde las revistas 391, fundada por él en Barcelona en 1917, y 491, fundada en París en colaboración con Breton.

''Primaballerina en un trasanlántico'' de Francis Picabia (1913): Es un cuadro en el que no se vislumbran las formas apreciadas en el título, puesto que no busca la lógica. Con esta ilógica el autor hace una provocación a las formas de arte anteriores, desafiándolas. Se aleja así de cualquier estereotipo creando confusión. Es un cuadro interesante pues al carecer de lógica te es inevitable buscarle tu propio sentido.

Opinión personal:

No se si esta pintura pertenece realmente al dadaísmo, fue la que mas me llamó la atencion por que lasd demas eran todas diferentes a esta. El movimiento me parece algo "raro" pero que a la vez esta bueno, en realidad me encanta, creo qe las tecnicas le dan gracia al vidente como por ejemplo la obra de la giaconda con vigotes. la que mas me gusto del dadaismo fue la de la mujer envuelta en una sabana que era en realidad el rio donde hay dos caballos trotando y en el fondo un hermoso atardecer. creo que el dadaismo es el que mas me gusta ya que es tan llamativo y divertido. el que no me gusto fue el de el "retrete" para hombres. lo admito me llama la atencion pero no es algo que a cualquiera pueda gustarle.

Futurismo

¿cuando? ¿donde? 

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística.
surgió en Milán, Italia en el primer decenio del S.XX , impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Técnicas:

• La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.
• Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos.
• A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura
• Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo

Temática:
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática

¿quienes?
Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Carlo Carrá.

Autor destacado :
Umberto Boccioni (1882 -1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y escribió el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.
Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración

"Formas únicas de la continuidad del espacio"

Umberto Boccioni

1913

Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra

Opinión personal:
el futurismo no es el movimiento que mas me gusta, no es algo que me llame la atencion pero si puedo llegar a encontrar alguna obra que me guste, la apreciaria mucho ya que es otro de los grandes movimientos que surgen en este gran siglo xx.

fuentes de informacion:
http://www.arteespana.com/ 

http://www.wikipedia.com/

Cubismo

¿Cuando?

•   Surgió en Francia en 1907 hasta 1914. Fue un movimiento revolucionario ya que produjo una verdadera trasformación dentro de la pintura.

Técnicas:

• La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
•  También el collage.  
• Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.
• Se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano
• utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
• Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano
• No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

Temática:

• En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
• bodegones, paisajes y retratos.

Autores:

 Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris

Autor destacado: Juan Gris

José Victoriano González-Pérez nace en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.
Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid.
En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años.
Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari.
Sus primeros intentos como pintor cubista son de 1910 aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos.

"Guitarra y mandolina" Juan Gris

Opinión personal:

El movimiento me pareció muy único y diferente. podemos observar muchos objetos como copas, papeles, violines, guitarras, floreros. Los objetos se cortan y se ponen en distintos lugares lo qe hace que se haga mas dificil saber qué objeto en realidad es (descomposicion de formas) Es como un gran collage. No hay sensacion de profundidad los objetos son como figuras de colores relativamente iguales los unos a los otros.

Fauvismo

¿Cuando? ¿Dónde?
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés desarrollado en Francia entre 1904 y 1908, donde el color es el objetivo principal del cuadro y se independiza del objeto.

Técnicas:

• La técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos sin mezclar evitando matizar los colores: 
• Se utilizan colores primarios, secundarios y complementarios.
• Las figuras resultan planas, lineales , encerradas en gruesas líneas de contorno
• Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
• Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

Temática:

• Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

¿Quiénes? : Andrés Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet entre otros.

Autor destacado:
Alfred Henry Maurer (1868- 1932) fue un pintor modernista estadounidense. Exhibió sus obras en círculos vanguardistas internacionalmente y en la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX
Maurer nació en la ciudad de Nueva York, . A los dieciséis años de edad, Maurer abandonó sus estudios para trabajar en el estudio litográfico de su padre. En 1897, después de estudiar con el escultor John Quincy Adams Ward y el pintor William Merritt Chase, Maurer partió a Paris y permaneció allí durante los siguientes cuatro años
A los treinta y seis años de edad, en París, desviándose de lo que todos (incluido él mismo) consideraban estilos de pintura "aceptables", Maurer cambió sus métodos bruscamente y desde ese momento en adelante pintó únicamente con cubismo y fauvismo obteniendo más tarde su reputación internacional. En 1909, siendo ya un importante pintor vanguardista estadounidense, realizó una exhibición doble junto a John Marin en la ciudad de Nueva York

"Proveneza"

Opinión personal:

A decir verdad el movimiento no es de mi agrado. no me gustaron la mayoria de los cuadros pero pude destacar este en particular. Podemos observar como el autor emplea pinceladas o toques rapidos sin mezclar los colores. Vemos colores primarios secundarios y complementarios. Yo creo que es una especie de arbol con figuras planas y lineas, es muy raro y diferente a las demás obras. 

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Postimpresionismo

¿Donde? ¿Cuándo?
Posimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910


Técnicas:

• Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
•  Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
• Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne
• Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
• Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
• Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
• Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
• Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
• Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
• 
  ¿Qué se pintaba?

temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

¿Quiénes?
Paul Cézanne; Paul Gauguin; Vicent Van Gogh


Autor destacado: Vicent, Van Gogh
Vincent Willem van Gogh  Países Bajos,  1853- Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.^[1] Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.^{[2] [3]} Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

"Noche estrellada" Vicent Van Gogh

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. , El cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas.

Opinion personal:

en esta obra se puede observar un gran contraste entre los colores.Los colores son vivos aunque predomina mas la oscuridad por ser de noche.  los remolinos en el cielo y el movimiento en las plantas fue una tecnica que se usaba en ese entonces, por debajo podemos observar formas bien definidas (casas). En mi opinión no es un cuadro que eligiria como favorito, pero de cierto modo tiene algo que cuando lo observo me hace trasladarme a esa ventana desde donde fue pintado y sentir algo dentro de mi mirando esas estrellas raras en el cielo.

Fuentes de información:

http://www.wikipedia.com/

Expresionismo

¿Donde? ¿Cuando?
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés


Técnicas:

• Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.
• Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
• Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
• Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

¿Quiénes?
Ernst Ludwig Kirchner, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc


¿Qué se pintaba?
soledad y miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).

Autor destacado:

Edvard Munch (1863-1944) pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.
En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el circulo de literatos y artistas de Cristiania (antigua Oslo).
En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Opinión personal:

Podemos observar en la pintura varias tecnicas antes mencionadas: distorciona las formas, es decir no les da su original volumen, como en este caso las ondas de el protagonista del cuadro. predomina el azul en el fondo y el naranja. el rostro esta desfigurado y triste, o en este caso gritando. las ondas que realizo es como que intentan transmitir un sentimiento. No se por qué pero este cuadro me gusta mucho, tiene algo que hace que lo mire y sienta algo dentro de mí. en realidad es lo que el pintor deseaba que los videntes sintiéramos eso.