Hiperrealismo

¿donde? ¿cuando?

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta (Luis García, Alex Ross, etc).

técnicas/características:

• Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo  en la reproducción de retratos ya que  el tiempo de exposición seria muy prolongado.
•  Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.
• Los artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color.
• Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
• otra  característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
• El Hiperrealismo hace énfasis en la plasmación de la realidad, tal y como se vería en una fotografía. Para esto, se utilizan medios como la proyección o retícula, con el fin de transferir imágenes fotográficas al lienzo, o simplemente guiarse para la forma escultórica.
• Características de la técnica hiperrealista son la aplicación de color “real” y la utilización de materiales como pintura acrílica, latex y resinas sintéticas

temáticas:

Los temas  generalmente son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, bodegones, cuerpos humanos y paisajes

¿quiénes?

 Chuck Close, Malcom Morley, Richard Estes

Autor destacado:
Duane Hanson es uno de los pioneros en emplear esta técnica. Nacido en E.E.U.U. en 1925, es hijo de inmigrantes suecos a ese país, granjeros en Alexandría, Minnesota.
Sus obras las realiza con diversos materiales, como el bronce y materiales sintéticos (resina de poliéster, fibra de vidrio, etc.), elaborando las esculturas directamente en moldes tridimensionales, más conocido como fundición viva. Su trabajo lo culmina con lapinturacolor piel, colocando los elementos decorativos y representativos, como ser la ropa o la joyería
Siendo un artista hiperrealista, sus obras se destacan por ser de tamaños exagerados, donde la perfección en las terminaciones (como por ejemplo sus rostros), captan la atención de los observadores, diferenciándose de Mueck en su fuente de inspiración, ya que retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano y que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte.

"Los turistas II"
Duane Hanson

1988

es el autor de estas esculturas hiperrealistas que retratan con todo lujo de detalles los estereotipos de la clase media norteamericana.
Las esculturas está realizadas a tamaño real, con una mezcla de resina de poliéster y fibra de vidrio, y pintadas a mano. Las prendas de ropa y demás accesorios de la puesta en escena son auténticos.
En la gestualidad de los personajes de Hanson se ve tristeza, frustación, cansancio y dolor por pertenecer a la franja de perdedores: los que no han podido cumplir el sueño americano de abundancia y bienestar.
La mayoría de las obras de este artista fueron concebidas a tamaño real sobre modelos al natural, utilizando el vaciado en escayola, para ser moldeadas después en fibra de vidrio, polivinilo, bronce o resina epoxi y pintadas a mano.

opinión personal:
me gusta mucho este movimiento, es divertido y mas me gusta que algunas de las obras sean fotografías, tambien me gusta el hecho de que presenten la realidad de una forma diferente. me parece muy divertido y muy interesante. Si la obra es realizada sin camaras me gusta tambien ya que el autor intenta hacerla lo mas fotográfica posible.

Arte cinético

¿donde? ¿cuando?


El arte cinético es una corriente de arte que se desarrolló principalmente en nueva York, donde las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

técnicas/características:

• el rechazo a cualquier referente narrativo, literario o anecdótico;
•  la desvinculación de la obra de arte con respecto a su creador,
• la abolición del soporte tradicional del cuadro,
• la incorporación de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit, etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.
• Induciendo al espectador a desplazarse en el espacio para que así se organice en su mente la lectura de una secuencia.
•  Realizando movimientos reales de imágenes mediante motores u otras fuentes.

¿quiénes?
Daniel Buren Alexander Calder Carlos Cruz-Díez Mark di Suvero Marcel Duchamp

autor destacado: alexander calder
Alexander Calder (1898 -  1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense.
Hijo y nieto de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P.
En 1885, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas

"la estrella" Alexander Calder

breve descripcion de la obra:

la obra fue hecha con materiales ligeros como alambre que cambien segun la luz,esto provoca un gran juego de luces a lo que hay que unir el movimiento que se produce con la corriente de aire, por mas poco que sea. Las formas geometricas y sencillas surgieron de la influencia del pintor miró. Podemos observar moviles en la parte inferior, alex hacia dos tipos de esculturas: las moviles y las estaticas. las moviles son estructuras abstractas que se suspenden en el aire y se movían. aparecen tambien los COSMOS, la idea de los moviles del calder es desafiar un nuevo concepto de espacio, del cosmos, con esculturas abstractas suspendidas en el aire. su ligereza, su delicada apariencia y su gracibidad son carac. fundamentales de dichos moviles. Precursor: la importancia de calder, a demas de como inventor de los moviles, es que fue el precursor de tood ela rte cinetico yd e las instalaciones posteriores.

fuentes de informacion:

www.wikipedia.com

http://arte.observatorio.info/2008/04/la-estrella-alexander-calder-1960 

Arte óptico

¿cuando? ¿donde?
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente

Técnicas/características:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

temática:
yo creo que no hay una tematica especifica como tambien es el caso del dadaismo. los autores realizan sus obras guiándose por las técnicas empleadas.

¿quiénes?
Victor Vasarely, Kitaoka, Bridger Riley, Julio Le Parc, Cruz Diez, Omar Rayo

Autor destacado: Victor Vasarely

Pintor húngaro nacido en Pecs, fue alumno de la Academia Mühely (la Bauhaus de Budapest) en 1929. Se trasladó a vivir a París en el año 1939. A partir de 1944 aborda la abstracción, en ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico. La conquista del cinetismo aparece en filigrana en su obra, es el fruto de una labor dura, la forma-color, la unidad plástica, las polarizaciones corpusculares u ondulatorias que son los fundamentos de su lenguaje están prefigurados en el Étude Bleue (1930) y la serie de Zébres (1932/1942). A partir de estos datos antiguos el artista progresó en la perspectiva abierta del Manifeste Jaune de 1955, pasando de la pintura de caballete a la pared y de la superficie al volumen, introduciendo materiales nuevos como el aluminio o el vidrio, preparando la integración de sus obras en la arquitectura, lo que constituye finalmente su objetivo supremo, la decoración mural en homenaje a Malevich en la Ciudad Universitaria de Caracas tiene el valor de un símbolo. Vasarely ha hecho de la policromía arquitectónica una de las mutaciones capitales del presente aportando así al hábitat la armonía y la dicha, es el pionero prospectivo del urbanismo social del mañana. El teórico y líder del arte cinético recoge el mensje de los grandes precursores constructivistas y de los maesros del Bauhaus, elevándolo a la potencia vitalista de una civilización-cultuta planetaria.

"Vega Multi" Victor Vasarely

es impresionante como el artista puede hacernos ver cosas que realmente no son asi, cosas que nuestros ojos tienen q saber observar y quedar impresionados ante ella. Sin envargo no es la clase de movimiento que me gusta, sus obras son exelentes y realmente te producen un efecto inusual al verlas.