Cubismo

¿Cuando?

•   Surgió en Francia en 1907 hasta 1914. Fue un movimiento revolucionario ya que produjo una verdadera trasformación dentro de la pintura.

Técnicas:

• La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
•  También el collage.  
• Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.
• Se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano
• utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
• Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano
• No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

Temática:

• En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
• bodegones, paisajes y retratos.

Autores:

 Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris

Autor destacado: Juan Gris

José Victoriano González-Pérez nace en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.
Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid.
En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años.
Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari.
Sus primeros intentos como pintor cubista son de 1910 aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos.

"Guitarra y mandolina" Juan Gris

Opinión personal:

El movimiento me pareció muy único y diferente. podemos observar muchos objetos como copas, papeles, violines, guitarras, floreros. Los objetos se cortan y se ponen en distintos lugares lo qe hace que se haga mas dificil saber qué objeto en realidad es (descomposicion de formas) Es como un gran collage. No hay sensacion de profundidad los objetos son como figuras de colores relativamente iguales los unos a los otros.

Fauvismo

¿Cuando? ¿Dónde?
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés desarrollado en Francia entre 1904 y 1908, donde el color es el objetivo principal del cuadro y se independiza del objeto.

Técnicas:

• La técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos sin mezclar evitando matizar los colores: 
• Se utilizan colores primarios, secundarios y complementarios.
• Las figuras resultan planas, lineales , encerradas en gruesas líneas de contorno
• Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
• Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

Temática:

• Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

¿Quiénes? : Andrés Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet entre otros.

Autor destacado:
Alfred Henry Maurer (1868- 1932) fue un pintor modernista estadounidense. Exhibió sus obras en círculos vanguardistas internacionalmente y en la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX
Maurer nació en la ciudad de Nueva York, . A los dieciséis años de edad, Maurer abandonó sus estudios para trabajar en el estudio litográfico de su padre. En 1897, después de estudiar con el escultor John Quincy Adams Ward y el pintor William Merritt Chase, Maurer partió a Paris y permaneció allí durante los siguientes cuatro años
A los treinta y seis años de edad, en París, desviándose de lo que todos (incluido él mismo) consideraban estilos de pintura "aceptables", Maurer cambió sus métodos bruscamente y desde ese momento en adelante pintó únicamente con cubismo y fauvismo obteniendo más tarde su reputación internacional. En 1909, siendo ya un importante pintor vanguardista estadounidense, realizó una exhibición doble junto a John Marin en la ciudad de Nueva York

"Proveneza"

Opinión personal:

A decir verdad el movimiento no es de mi agrado. no me gustaron la mayoria de los cuadros pero pude destacar este en particular. Podemos observar como el autor emplea pinceladas o toques rapidos sin mezclar los colores. Vemos colores primarios secundarios y complementarios. Yo creo que es una especie de arbol con figuras planas y lineas, es muy raro y diferente a las demás obras. 

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Postimpresionismo

¿Donde? ¿Cuándo?
Posimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910


Técnicas:

• Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
•  Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
• Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne
• Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
• Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
• Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
• Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
• Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
• Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
• 
  ¿Qué se pintaba?

temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

¿Quiénes?
Paul Cézanne; Paul Gauguin; Vicent Van Gogh


Autor destacado: Vicent, Van Gogh
Vincent Willem van Gogh  Países Bajos,  1853- Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.^[1] Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.^{[2] [3]} Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

"Noche estrellada" Vicent Van Gogh

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. , El cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas.

Opinion personal:

en esta obra se puede observar un gran contraste entre los colores.Los colores son vivos aunque predomina mas la oscuridad por ser de noche.  los remolinos en el cielo y el movimiento en las plantas fue una tecnica que se usaba en ese entonces, por debajo podemos observar formas bien definidas (casas). En mi opinión no es un cuadro que eligiria como favorito, pero de cierto modo tiene algo que cuando lo observo me hace trasladarme a esa ventana desde donde fue pintado y sentir algo dentro de mi mirando esas estrellas raras en el cielo.

Fuentes de información:

http://www.wikipedia.com/

Expresionismo

¿Donde? ¿Cuando?
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés


Técnicas:

• Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.
• Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
• Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
• Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

¿Quiénes?
Ernst Ludwig Kirchner, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc


¿Qué se pintaba?
soledad y miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).

Autor destacado:

Edvard Munch (1863-1944) pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.
En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el circulo de literatos y artistas de Cristiania (antigua Oslo).
En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Opinión personal:

Podemos observar en la pintura varias tecnicas antes mencionadas: distorciona las formas, es decir no les da su original volumen, como en este caso las ondas de el protagonista del cuadro. predomina el azul en el fondo y el naranja. el rostro esta desfigurado y triste, o en este caso gritando. las ondas que realizo es como que intentan transmitir un sentimiento. No se por qué pero este cuadro me gusta mucho, tiene algo que hace que lo mire y sienta algo dentro de mí. en realidad es lo que el pintor deseaba que los videntes sintiéramos eso.

Realismo

¿cuando?

• se desarrolló a partir de la mitad del siglo XIX en 1848.  es un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia

Técnicas:

• Claridad en la paleta, pero trabajo claroscuro.
• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista

¿Qué se pintaba?

• Su mayor innovación fue en los temas: el mundo del trabajo de los obreros y campesinos. La aparición de la fotografía en 1839 influyó poderosamente en el arte, haciendo ver de otra manera la realidad.
• La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para niños y mujeres, jornadas laborales interminables...
• Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social.
• profundo sentido de la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella.

¿quiénes?
Corot, Courbet, Millet, Roseau

Autor destacado : Millet

(1814-1875) fue el pintor del mundo rural. En dos obras magistrales, “El Angelus” y “Las espigadoras”, describe con exactitud y crudeza el trabajo de los campesinos, que vivían con gran pobreza y eran analfabetos.
El realismo de Millet está impregnado de poesía, melancolía y tristeza. Envuelve a sus figuras, simplificados sus volúmenes por el dibujo, en una atmósfera neblinosa, con magníficos estudios de luz, para explicar la unión armoniosa del hombre con la naturaleza. Al final de su vida pintó paisajes puros.
Jean-François Millet (1814 - 1875) fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial
Nació en la aldea de Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía, pero se mudó a París en 1839. Recibió su enseñanza académica con Paul Dumouchel, y con Jérome Langlois en Cherbourg. Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la infuencia de Honoré Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes. En 1849 llegó a Barbizon, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad.

"El angelus" Millet

Fuentes de informacion:
http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=La_pintura_realista
http://www.wikipedia.com/

Romanticismo

¿donde?

Surge en Alemania y en Reino Unido a principios a  finales del siglo XVII, pero se desarrollo a principios del siglo XIX como una reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el clacisismo, dándole prioridad a los sentimientos. El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte".

En técnicas:

• además del óleo sobre lienzo, prefieren la acuarela y el grabado. También se desarrollo el dibujo.

• la figura pretende ser realista, no evitan mostrar el sufrimiento la deformidad, la muerte
  
• favorece la supremacía del sentimiento, la tendencia nacionalista, el liberalismo, la originalidad y creatividad frente a lo tradicional y la imitación.

Temáticas: 
 Lo que más distingue a los pintores románticos es su afición por reflejar el paisaje, en general, por paisajes en sombras, silenciosos, vacíos, donde flota la maldad o la tristeza. También se destacan por pintar animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista, la magia y la superstición.

¿quienes?
Goya, Delacroix, Friedrich, Géricault.

Autor destacado: Delacroix
Pintor francés cuya obra constituye un gran exponente del romanticismo del siglo XIX y cuya influencia se extendió hasta los impresionistas. Delacroix nació el 26 de abril de 1798 en Charenton-Saint Maurice, y fue discípulo del pintor francés Pierre Guérin. Recibió una formación neoclásica dentro de la escuela del pintor francés Jacques-Louis David, pero su estilo se vio influenciado por el rico colorido y la opulencia de maestros anteriores, como Petrus Paulus Rubens y Pablo Veronés. También absorbió el espíritu de su contemporáneo Théodore Géricault, cuyas primeras obras representan la acción violenta, el amor a la libertad y el romanticismo en ciernes del turbulento periodo postnapoleónico. La carrera artística de Delacroix empezó en 1822 cuando su primer cuadro, Dante y Virgilio en los infiernos (1822, Louvre, París), fue aceptado en el Salón de París. En 1824 obtuvo un gran éxito popular con Las matanzas de Kíos (Louvre), que representa el tema heroico de la lucha de los griegos por la independencia. En 1825 viajó a Inglaterra donde estudió la obra de los pintores ingleses. La influencia de Richard Parkes Bonington, que pintaba con colores brillantes, se manifiesta en obras posteriores de Delacroix como La muerte de Sardanápalo (1827, Louvre). Esta exuberante obra de madurez, de gran colorido, violencia y fastuosidad, muestra a mujeres, esclavos, joyas y telas combinados en una composición delirante, casi orgiástica. El tema del cuadro es la decisión que toma un rey de la antigüedad de destruir sus posesiones (incluidas sus esposas) antes de suicidarse.

 "La libertad guiando al pueblo"
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París.

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.

Fuentes de informacion:
http://arteparalahumanidad.blogspot.com/2010/06/el-romanticismo.html
www.wikipedia.com